VIAMODA DAY 2026
1 października odbyła się uroczystość otwarcia nowego roku akademickiego. Wzięli w niej udział studenci, absolwenci, wykładowcy oraz zaproszeni goście. Spotkanie było okazją zarówno do powitania nowych studentów, jak i do rozmowy o doświadczeniach absolwentów oraz wyzwaniach, przed którymi stoi współczesna branża mody
Oficjalną część inauguracji rozpoczęło ślubowanie studentów pierwszego roku, którzy tym samym zostali przyjęci do społeczności akademickiej VIAMODA. Dla rozpoczynających naukę był to pierwszy dzień nowego etapu edukacji, dla starszych roczników i absolwentów – okazja do spotkania oraz podsumowania kolejnego roku pracy.
Po ceremonii przyszedł czas na rozmowy o tym, co dzieje się po studiach. Pani Dominika Łukawska-Milczarska, prorektor VIAMODA, spotkała się z Nicolą Grymuzą, Natalią Cichą i Ewą Czyżewską, naszymi absolwentkami studiów I i II stopnia. Opowiadały o nauce, pierwszych doświadczeniach zawodowych i szukaniu swojego miejsca na rynku pracy. Dwie z nich znalazły zatrudnienie w firmach KRUK i LPP, trzecia pracuje teraz jako wykładowczyni w naszej uczelni. Rozmowa dotyczyła także tego, jak wiedza i umiejętności zdobyte podczas studiów sprawdzają się w codziennej pracy i z czym mierzą się młodzi projektanci na początku kariery.
Kolejne spotkanie poświęcono modzie cyrkularnej. Wzięli w nim udział projektant Jackob Buczyński, który w swojej pracy wykorzystuje materiały z drugiego obiegu, oraz Monika Lipnicka, odpowiedzialna za projekty związane z modą zrównoważoną w firmie Wtórpol. Rozmawiano o tym, co dzieje się z ubraniami, których już nie nosimy, i jakie możliwości daje ponowne wykorzystanie tekstyliów. Działalność Wtórpolu pozwoliła przyjrzeć się przemysłowej skali zbiórki, sortowania i zagospodarowania używanej odzieży. Jackob Buczyński opowiadał z kolei o pracy projektanta, dla którego odzyskane materiały stają się punktem wyjścia do tworzenia nowych kolekcji. Poruszono również kwestię odpowiedzialności branży mody za ilość powstających odpadów oraz możliwości ograniczania ich już na etapie projektowania.
Następnie odbył się pokaz wybranych kolekcji dyplomowych absolwentów VIAMODA. Publiczność mogła zobaczyć efekty ich pracy nad autorskimi projektami, od pierwszych koncepcji po gotowe sylwetki zaprezentowane na wybiegu.
Podczas inauguracji wręczono także nagrody ufundowane przez partnerów i sponsorów uczelni.
Indeks VIAMODA na studia magisterskie otrzymała Yelyzaveta Drahan.
LPP przyznało Piotrowi Powroźnikowi nagrodę w wysokości 5000 zł, a wszystkim dyplomantom przekazało upominki.
Wtórpol zaprosił wszystkich dyplomantów do odwiedzenia firmy i poznania procesu sortowania oraz zagospodarowania używanej odzieży.
Lewiatan ufundował maszynę do szycia dla Katarzyny Jarry.
BaByliss przekazał nagrody rzeczowe Illii Horinowi, Amadeuszowi Łopacie i Zuzannie Dębskiej.
Ultramaszyna ufundowała kurs dla Yelyzavety Drahan.
Linexim przyznał Anicie Katryńskiej 2000 zł na zakup tkanin.
VIAMODA DAY 2025
NATALIA CICHA
Natalia Cicha od najmłodszych lat otaczała się sztuką – od muzyki i gry na fortepianie, przez modę, aż po teatralną scenę. Te pasje, połączone z praktycznym doświadczeniem w branży modowej, ukształtowały jej własny język projektowy i stały się punktem wyjścia do stworzenia autorskiej kolekcji damskiej.
W swojej twórczości Natalia bada kontrasty – zestawia ze sobą style, które na pierwszy rzut oka wydają się przeciwieństwami. W pracy dyplomowej połączyła sportową dynamikę z romantyczną subtelnością, tworząc kolekcję, w której te różnice spotykają się w harmonii. Inspiracją była dla niej zarówno historia mody, jak i współczesna kultura uliczna – pełna energii, różnorodności i ekspresji.
Analiza dorobku takich ikon jak Chanel czy McQueen, a także współczesnych twórców pokroju Virgila Abloha i Thoma Browne’a, pozwoliła Natalii odkryć potencjał kontrastów i odwagę w eksperymentowaniu z formą, materiałami i detalami.
Jej kolekcja to opowieść o równowadze między przeciwieństwami: wygoda i swoboda sportowego stylu spotykają się tu z delikatnością i lekkością romantycznych akcentów. Każda sylwetka tworzy własną historię, a połączenie subtelności z awangardowym zacięciem nadaje projektom energię, wolność i indywidualny charakter współczesnej kobiety.
SENTIMENTS
SENTIMENTS to marka, która narodziła się z dyplomowych kolekcji Wiktorii Nizio i Mateusza Dworzeckiego, rozwijając ich indywidualne podejście do projektowania w kierunku wspólnej wizji – mody opartej na emocjach, nostalgii i autentycznym wyrazie. Marka powstała z potrzeby tworzenia ubrań, które nie podążają za powierzchownymi trendami, lecz stają się medium do wyrażania osobistych doświadczeń, refleksji i indywidualności. SENTIMENTS jest przestrzenią dla tych, którzy w modzie szukają czegoś więcej niż estetyki – dla osób poszukujących emocji, głębi i możliwości komunikowania siebie poprzez ubranie.
Kolekcja, która stała się fundamentem marki, odzwierciedla proces twórczy autorów, ich eksplorację emocji, doświadczeń i wrażliwości estetycznej. Sylwetki powstały w wyniku wieloetapowego eksperymentowania z detalami, konstrukcjami i materiałami, tworząc projekty, które zapisują stany emocjonalne oraz stanowią refleksję nad życiem i tożsamością twórców. Inspiracją były zarówno osobiste przeżycia, jak i poszukiwanie piękna w tym, co nietypowe lub kontrowersyjne, dzięki czemu każda sylwetka staje się manifestem indywidualizmu i odwagi w wyrażaniu siebie.
SENTIMENTS to marka świadomie łamiąca konwencje i eksplorująca kontrasty – delikatność splata się tu z surowością, romantyzm z funkcjonalnością, a subtelność z dramatyzmem. Każdy element kolekcji niesie ze sobą emocję, prowokuje do refleksji i opowiada historię, która wykracza poza zwykłą formę odzieży. To ubrania dla osób, które chcą komunikować swoją autentyczność, odnajdywać piękno w niestandardowych formach i budować więzi z innymi o podobnej wrażliwości estetycznej. SENTIMENTS jest zatem nie tylko marką, lecz także przestrzenią twórczą, w której moda staje się językiem emocji, introspekcji i osobistej narracji.
ALEKSANDRA GRABSKA
Autorka kolekcji „Lines of Modernity”, Aleksandra Grabska, to młoda projektantka, dla której najważniejsze są precyzja wykonania, dbałość o detale oraz oryginalna forma. Jej doświadczenie i rozwinięta wrażliwość artystyczna pozwoliły jej wypracować spójny styl projektowy, który łączy funkcjonalność z artystycznym wyrazem i nowoczesną estetyką. Praca nad detalami, konstrukcjami i manipulacją tkaniną ukształtowała jej podejście do projektowania jako dialogu między formą, funkcją i wyobraźnią przestrzenną.
Kolekcja „Lines of Modernity” inspirowana jest współczesną architekturą i relacjami między przestrzenią, strukturą a ubiorem. Autorka przeniosła na sylwetki rytm, proporcje oraz charakter brył najbardziej uznanych architektów współczesności, takich jak Norman Foster, Jeanne Gang czy Santiago Calatrava. Powtarzające się linie pionowe, skośne i łuki, rytmiczne faktury oraz faliste formy tworzą minimalistyczne, a zarazem wyraziste konstrukcje, które można dowolnie łączyć w kapsułowe zestawy.
Oversizowe okrycia wierzchnie, subtelne manipulacje tkaniną i zaakcentowane linie ramion nadają sylwetkom zarówno monumentalności, jak i lekkości, zachowując przy tym funkcjonalność i komfort użytkowania. Główne założenia kolekcji – rytmiczne, autorskie faktury, powtarzające się linie, różnorodne odcienie jeansu oraz kapsułowy charakter umożliwiający łączenie poszczególnych elementów – odzwierciedlają pasję autorki do harmonii formy, detalu i struktury. „Lines of Modernity” łączy prostotę z nowoczesną elegancją, pozwalając sylwetkom funkcjonować zarówno w codziennym użytkowaniu, jak i podczas wyjątkowych okazji. Kolekcja stanowi świadomy dialog między architekturą a ubiorem, między funkcją a formą, ukazując piękno w rytmie, proporcjach i detalach, a jednocześnie daje przestrzeń do wyrażania indywidualizmu współczesnej kobiety.
HANNA POLIAK
Hanna Poliak zajmuje się projektowaniem odzieży, szyciem i konstrukcją już od kilku lat, czerpiąc przy tym satysfakcję z pracy wykonywanej z ogromnym zaangażowaniem. Jej ciekawość świata i fascynacja różnorodnymi kulturami stają się źródłem nieustannej inspiracji, a artystyczny charakter pozwala jej odważnie wkraczać w przestrzeń mody, rozwijając kompetencje niezbędne do budowania własnej, profesjonalnej ścieżki twórczej.
Kolekcja „Powiew Nowoczesności” jest efektem poszukiwań projektantki, w których nowoczesna forma łączy się z precyzją rękodzielniczego detalu. Inspiracją do stworzenia kolekcji stała się architektura Zahy Hadid, której dynamiczne, płynne bryły i innowacyjne konstrukcje stały się punktem wyjścia do projektowania niekonwencjonalnych sylwetek. Każdy projekt łączy w sobie zaawansowaną geometrię z subtelnymi, ręcznie wykonywanymi elementami, takimi jak haft koralikowy, nadając całości unikalny charakter.
Autorka wnikliwie analizowała twórczość Hadid, odkrywając nie tylko architektoniczne rozwiązania, lecz także sposób, w jaki granice między sztuką, designem i funkcją są w jej pracach płynnie przekraczane. W tej perspektywie moda staje się medium, które przyjmuje architektoniczne rytmy i kształty, przenosząc je na sylwetki pełne ruchu, napięcia i płynności. Równocześnie projektantka odwołała się do tradycji ukraińskiego rękodzieła, czerpiąc inspirację z wyszywanek, haftu i koralików, które w jej kolekcji zyskują nowoczesną, artystyczną interpretację. Połączenie tych elementów z awangardową konstrukcją sylwetek tworzy dialog między historią, kulturą a współczesnym designem. Kolekcja nie tylko prezentuje ubrania, lecz także opowiada historię spotkania tradycji, emocji i architektonicznej wizji, sylwetki stają się przestrzenią ekspresji, w której forma, detal i inspiracja współistnieją w harmonii. Każdy element kolekcji jest świadomym połączeniem nowoczesnej architektury, etnicznego rękodzieła i indywidualnego wyrazu projektantki, tworząc wyjątkową opowieść o kobiecości, innowacji i tradycji.
STANISŁAW SKORUPA
Autor kolekcji inspirowanej okultyzmem stworzył projekt będący naturalnym rozwinięciem swoich zainteresowań, łącząc wpływ ubioru na człowieka z nowymi technologiami i symboliką okultystyczną. Poprzez zgłębienie psychologicznych mechanizmów związanych z modą, zaprojektował ubrania oddziałujące na głębsze warstwy ludzkiej psychiki.
Wykorzystując niestandardowe kroje, geometryczne i symetryczne wzory oraz świadomie dobraną kolorystykę, autor zbudował kolekcję jako swoisty spektakl dla podświadomości odbiorcy, poszukując ukrytych znaczeń w przedmiotach codziennego użytku. Kolekcja jest także eksploracją nowych technologii w projektowaniu – zastosowanie druku 3D, grafiki komputerowej i technologii rozszerzonej rzeczywistości pozwoliło poszerzyć granice możliwości konstrukcyjnych sylwetek, dając odbiorcy namiastkę tego, co może stać się osiągalne wraz z rozwojem cyfrowych narzędzi.
Poszczególne elementy kolekcji – spodnie, koszulki termiczne, kurtki, kamizelki i płaszcze – zostały skomponowane wielowarstwowo, podkreślając złożoność okultyzmu i wielopoziomowość przesłań ukrytych w projekcie. Każdy element jest symboliczny: pas funkcjonuje jako spoiwo całości, spodnie reprezentują życiową drogę, a kaptur pełni rolę schronienia przed światem zewnętrznym. Kolekcja jest spójnym projektem, w którym aspekty okultyzmu zostały uwzględnione w kontekście konstrukcji ubioru, symboliki oraz technologii cyfrowych, tworząc odzież wielowarstwową i znaczeniowo złożoną.
PAULINA SOWIŃSKA
Od najmłodszych lat autorka fascynowała się rysunkiem i projektowaniem ubioru, a każdy szkic był pierwszym krokiem w odkrywaniu własnej estetyki. Pasjonuje się sztukami wizualnymi, historią mody i muzyką, które wpływają na jej wrażliwość artystyczną i podejście do projektowania. Paulina łączy funkcjonalność z wyrazistym językiem formy, eksperymentując z fakturami, konstrukcją i detalami ręcznymi, tworząc spójne, pełne emocji kolekcje ubrań.
Główną inspiracją jej pracy dyplomowej jest historyczna moda bieliźniana, która stała się punktem wyjścia do reinterpretacji klasycznych form w nowoczesnym kontekście. Kolekcja skierowana jest do młodych kobiet, które cenią życie w zgodzie ze sobą, łącząc komfort i funkcjonalność z artystycznym wyrazem. Autorka sięgnęła po elementy bielizny lnianej i haftowanej, które w nowoczesnej formie podkreślają indywidualność i swobodę ruchu, jednocześnie odwołując się do historii kształtowania kobiecej sylwetki.
Każda sylwetka powstała w wyniku świadomej pracy nad detalem, fakturą i konstrukcją, wykorzystując naturalne tkaniny w różnorodnych układach i kombinacjach. Marszczenia, falbanki, wiązania, plisowania i ręczne wykończenia tworzą kontrastowe, harmonijne kompozycje, które nadają kolekcji zarówno subtelny, jak i wyrazisty charakter. Całość utrzymana jest w odcieniach bieli i kremu, uzupełniona pastelowymi nadrukami kwiatowymi oraz bordowymi detalami. Każda sylwetka została zaprojektowana tak, aby była funkcjonalna i wielowarstwowa, co umożliwia różnorodne stylizacje. Kolekcja autorki stanowi harmonijną syntezę inspiracji historycznych, wrażliwości artystycznej i zaawansowanych umiejętności projektowych, tworząc spójne sylwetki, które służą jednocześnie jako nośnik emocji, symboliki i wyrazu indywidualności współczesnej kobiety.
VANESSA WALCZYK
Praca dyplomowa Vanessy Walczyk pt. „Współczesna Femme Fatale – kolekcja ubiorów damskich inspirowana barokiem” jest efektem dogłębnej analizy stylu barokowego i jego reinterpretacji w kontekście współczesnych trendów mody. Autorka oparła projekt na archetypie femme fatale – postaci od wieków kojarzonej z tajemniczością, siłą i uwodzeniem – łącząc jej symbolikę z barokową estetyką pełną przepychu i dramatyzmu.
Kolekcja nosi tytuł „Teatr Wyzwolenia”, co podkreśla jej teatralny, wyrazisty charakter oraz ukazuje modę jako formę artystycznej ekspresji. Całość opiera się na grze kontrastów: zestawieniach monumentalnych, rozłożystych form z lekkimi, transparentnymi elementami, które subtelnie odsłaniają ciało. Ten dialog między ciężarem a delikatnością, dramatyzmem a subtelnością, nawiązuje zarówno do baroku, jak i do istoty femme fatale.
Projekty odzwierciedlają poczucie autonomii i wolności, które autorka przypisuje współczesnym kobietom. Szczególną rolę pełnią perły – wykorzystane jako przestrzenne, biżuteryjne konstrukcje, ręcznie nawleczone w unikalnych konfiguracjach. Nie stanowią one wyłącznie ozdoby, lecz integralny element budujący charakter poszczególnych ubiorów. „Teatr Wyzwolenia” jest symbolem połączenia przeszłości z nowoczesnością, tradycji z awangardą. Kolekcja ukazuje modę jako sztukę i opowieść, podkreślając niezależność, siłę oraz zmysłowość kobiety. Jest wyrazem artystycznej wizji, w której barokowy dramatyzm splata się z nowoczesną elegancją, tworząc unikalną narrację o współczesnej femme fatale.
WERONIKA KULESZA
Weronika Kulesza od najmłodszych lat pasjonuje się modą i szyciem, rozwijając swoje umiejętności w zakresie konstrukcji i projektowania ubioru. Realizuje projekty dla indywidualnych klientek i uczestniczy w sesjach fotograficznych, łącząc artystyczną wizję z precyzją wykonania.
Jej praca dyplomowa „Rozkwit i więdnięcie kwiatów – analiza form i struktur jako inspiracja do zaprojektowania ubiorów damskich” powstała z fascynacji zmiennością i ulotnością natury kwiatów. Kolekcja „The Life of Flowers” odzwierciedla cykl życia roślin – od pąków, przez pełny rozkwit, aż po więdnięcie – stając się metaforą przemijania, transformacji i odnowy w życiu człowieka. Sylwetki charakteryzują się wielowarstwową konstrukcją, różnorodnymi fakturami i tkaninami, łącząc funkcjonalność z kwiatowymi formami.
Kolorystyka obejmuje biel, krem, pastelowe akcenty kwiatowe oraz subtelne bordowe detale. Każdy projekt oddaje emocje i symbolikę danego etapu cyklu życia kwiatu, tworząc kolekcję, która łączy estetykę, indywidualność i możliwość różnorodnych stylizacji współczesnej kobiety. „The Life of Flowers” to pełna subtelności i wyrazu opowieść o naturze, przemijaniu i kobiecej wrażliwości, przeniesiona na język współczesnej mody.
SARA STANISZEWSKA
Sara Staniszewska od najmłodszych lat pasjonuje się modą i szyciem. W wieku 12 lat uczestniczyła w obozie dla młodych projektantów, zdobywając pierwsze doświadczenia w konstrukcji i szyciu ubrań, a późniejsze studia pozwoliły jej pogłębić wiedzę z zakresu projektowania, materiałoznawstwa i zarządzania produkcją. Doświadczenie zawodowe zdobywała w butikach marek premium oraz jako kostiumograf przy filmach krótkometrażowych, łącząc kreatywność z praktyczną wiedzą i rozwijając umiejętność tworzenia spójnych, funkcjonalnych stylizacji.
Jej kolekcja dyplomowa „Kobiecość oczami Gustava Klimta” powstała z inspiracji twórczością austriackiego modernisty, dla którego kobiecość była symbolem siły, wrażliwości i emocjonalnej głębi. Projekty Sary reinterpretują współczesną kobiecość, łącząc historyczne nawiązania z nowoczesnymi krojami i konstrukcjami. Kolekcja obejmuje różnorodne elementy ubioru wykonane z luksusowych tkanin, w odcieniach złota, granatu, szarości i beżu.
Detale, takie jak aplikacje z kryształków, hafty i biżuteria inspirowana estetyką secesyjną, podkreślają elegancję i artystyczny charakter projektów. Całość stanowi przemyślaną refleksję nad kobiecością jako wartością ponadczasową, łącząc w sobie siłę, wrażliwość i indywidualny wyraz współczesnej kobiety.
MATEUSZ STEC
Mateusz Stec to projektant mody i specjalista w e-commerce, od ponad dekady mieszkający i pracujący w Niemczech. Po ukończeniu szkoły średniej wyjechał za granicę ze względów zawodowych, zdobywając doświadczenie w logistyce i administracji w Adidas oraz w e-commerce w Flagship Store mientus, gdzie obecnie odpowiada za kreowanie asortymentu, prezentację produktów, produkcję treści oraz koordynację projektów.
Pasja do mody i zainteresowanie innowacyjnymi formami pozwoliły mu połączyć praktyczną wiedzę z twórczą eksploracją dekonstrukcji w modzie. Jego kolekcja dyplomowa „Frameless” powstała z inspiracji dekonstrukcją, modą niebinarną i upcyclingiem. Projekt zakładał analizę tradycyjnych struktur i norm odzieżowych oraz reinterpretację ich w formach współczesnych, łączących elementy dopasowane i luźne.
Kolekcja wykorzystuje wysokiej jakości odzież z drugiego obiegu, w tym marynarki, spodnie, koszule i krawaty, podkreślając zarówno uniwersalność ubrań, jak i odpowiedzialne podejście do mody. Sylwetki łączą w sobie męskie i kobiece elementy, tworząc hybrydowe formy, które umożliwiają różnorodne stylizacje i podkreślają indywidualność użytkownika. Kolorystyka kolekcji opiera się na odcieniach szarości, czerni i bieli, nawiązując do klasycznej palety odzieży biznesowej. W projektach pojawiają się detale dekonstrukcyjne: surowe, niewykończone krawędzie, kontrastowa stębnówka, zakładki i hafty, które podkreślają autorski charakter ubrań. „Frameless” jest próbą połączenia kreatywności, wartości estetycznych i idei inkluzywności, umożliwiając odbiorcom eksperymentowanie z formą i wyrażanie siebie poprzez ubiór.
JULIA MAKOWSKA
Julia Makowska to projektantka, dla której moda jest sztuką i sposobem na opowiedzenie historii o kobiecości, sile i niezależności. Już w gimnazjum zaczytywała się w magazynach modowych, a rodzinna pasja do stylu dodatkowo pobudzała jej kreatywność. Ukończyła technikum o profilu technik przemysłu mody, gdzie wzięła udział w konkursie „Mała Pętelka”, prezentując swoje pierwsze autorskie kolekcje – „La femme” i „Vryheid”. Pierwsza z nich była hołdem dla kobiecej siły, druga – opowieścią o wolności i równości wyrażonej poprzez taniec i upcykling materiałów.
Jej doświadczenie artystyczne nie kończy się na modzie – Julia od lat związana jest z tańcem, co ukształtowało jej wrażliwość na ruch, ekspresję i formę. Dzięki temu projektuje ubrania, które nie tylko dobrze wyglądają, ale również pozwalają ciału mówić własnym językiem. Obecnie pracuje w agencji modowej przy markach premium, ale jej ambicje wybiegają dalej – chce tworzyć modę, która daje odbiorcom narzędzie do wyrażania siebie.
Kolekcja dyplomowa „La féminité” to manifest współczesnej kobiecości, zbudowany na kontrastach między tym, co stereotypowo damskie, a tym, co męskie. Julia sięga po gorsety, szerokie spodnie, oversizowe marynarki i przerysowane ramiona, tworząc sylwetki w duchu power dressingu – stylu, który symbolizuje siłę i pewność siebie. Inspiracją jest dla niej proces emancypacji kobiet, który jej zdaniem był kluczowy dla powstania tego trendu. „La féminité” jest więc nie tylko kolekcją odzieżową, ale także artystyczną narracją o odwadze, niezależności i prawie do wyrażania siebie poprzez ubiór.
PAULINA BUKOWSKA
W swoich projektach łączy pasję do mody z miłością do tradycji. Góralką z Zakopanego i konsekwentnie buduje solidne fundamenty swojej twórczości. Z jednej strony zafascynowana rzemiosłem ludowym – od przyprawiania „strępek” do chust, po szycie portek góralskich w tradycyjny sposób – z drugiej otwarta na nowoczesne technologie i biznesowe podejście do mody.
Po latach doświadczeń w marketingu postanowiła w pełni oddać się swojej pasji i otworzyła własną działalność, inwestując w hafciarkę, która stała się symbolicznym początkiem nowego rozdziału. Jej celem jest tworzenie ubrań, które nie tylko zachwycają detalem, ale i łączą góralski charakter z codzienną funkcjonalnością.
Jej dyplomowa kolekcja „Góralska Tradycja” to współczesna reinterpretacja podhalańskiego folkloru – połączenie klasycznych krojów, haftów i naturalnych tkanin z elegancją i prostotą, które idealnie odnajdują się w nowoczesnej garderobie. To 6 sylwetek, w których gorsety, spódnice i motywy regionalne spotykają się z minimalistyczną formą, a kolory – czerwień, błękit, czerń i beż – stają się wizualnym hołdem dla Podhala.
Paulina nie projektuje ubrań na wieszak – tworzy modę do noszenia, która ma żyć razem z tym, kto ją nosi. Jej kolekcja jest kapsułowa, praktyczna, ale jednocześnie unikatowa i pełna emocji. To opowieść o sile tradycji i o tym, jak można ją twórczo przenieść w XXI wiek.
