Il y a 40 ans aujourd’hui, Joni Mitchell entrait au Canadian Music Hall of Fame. A cette occasion, retour sur les artistes que l’interprète de « Blue » a influencés
« Il n’y a presque pas de fausse note dans les prestations vocales de l’album Blue, a déclaré Joni Mitchell à Rolling Stone en 1979. A ce moment de ma vie, j’étais sans défense. Je me sentais comme une Cellophane sur un paquet de cigarettes, comme si je n’avais aucun secret et que je ne pouvais pas prétendre être forte, ou heureuse ».
L’album, sorti le 22 juin 1971, s’est classé trentième dans la liste des 500 meilleurs albums de tous les temps de Rolling Stone. Il explique pourquoi Mitchell est considérée comme l’une des plus grandes poétesse de la musique du XXe siècle, un talent visionnaire avec des paroles sincères, des accords de guitare et un timbre de voix élégant.
Des musiciens l’ont depuis longtemps citée comme une inspiration et un exemple. Voici 15 artistes majeurs, de Bob Dylan à Björk, pour qui Mitchell est une source d’inspiration.
Prince
L’interprète de « Purple Rain » était un grand fan de Mitchell. En 1985, il a déclaré à Rolling Stone que The Hissing of Summer Lawns, son LP jazz-rock sorti 10 ans plus tôt, était « le dernier album qu'[il] aimait du début à la fin ». Sa chanson « The Ballad of Dorothy Parker » (tirée de son carton de 1987 Sign o’ the Times) comprend les paroles « Mind if I turn on the radio?/’Oh, my favorite song,’ she said/And it was Joni singing ‘Help me I think I’m falling’ », une référence à la chanson « Help Me » de Mitchell tirée de l’album Court and Spark.
https://www.youtube.com/watch?v=ejORU9R3rAo
Björk
En 2011, l’être céleste connu sous le nom de Björk a déclaré que le double album Don Juan’s Reckless Daughter de Mitchell sorti en 1977 était son préféré. En 2015, elle a réaffirmé son admiration. « J’aime vraiment Joni Mitchell, a-t-elle déclaré à Pitchfork. Je pense que c’était accidentel en Islande, que les mauvais albums arrivent chez nous. Quand j’étais adolescente, j’étais obsédée par Don Juan’s Reckless Daughter et par Hejira. Elle a presque créé son propre style musical avec ces albums ».
Taylor Swift
Taylor Swift est une si grande fan de Mitchell qu’elle lui consacre des interviews entières. Pour la sortie de Red en 2012, Swift a accordé une interview à Rhapsody dans laquelle elle déclarait tout l’amour qu’elle portait à l’album qui l’avait inspirée : Blue, l’exploration de l’amour par Mitchell sorti en 1971. « Elle a écrit à propos de ses douleurs les plus profondes et de ses démons, a expliqué Swift tout en détaillant certains morceaux. Des chansons comme « River », qui parle de ses regrets et de ses doutes… Cet album est mon préféré parce qu’il explore notre âme profondément ».
Ne vous attendez cependant pas à voir Taylor Swift rendre hommage à Joni Mitchell sur grand écran : fin 2014, Mitchell a déclaré qu’elle refusait que la chanteuse de 25 ans joue son rôle dans un biopic à venir.
Herbie Hancock
Le virtuose post-bop jazz a déclaré « L’une des meilleures expériences de ma vie a été d’écouter une conversation entre Joni Mitchell et [le saxophoniste] Wayne Shorter. Je suis resté bouche bée rien qu’à les entendre parler. Ils se comprennent parfaitement et ils n’ont pas besoin d’expliquer les choses ». Hancock a exprimé son propre amour pour l’art de Mitchell grâce à l’album River: The Joni Letters sorti en 2007, un album hommage auquel ont participé Leonard Cohen, Tina Turner et Mitchell elle-même.
L’entente était réciproque. « J’ai passé du temps dans des clubs de jazz et je ne suis pas une fan de rock, a déclaré Mitchell à Rolling Stone en 2000. Ceux avec qui je m’entends bien sont des gens comme Herbie Hancock ou Wayne Shorter. Le rock & roll blanc, dans l’ensemble, ne m’a jamais attiré ».
Bob Dylan
Dylan, le confrère folk de longue date de Mitchell, a bien résumé sa collègue dans la liste des 100 meilleurs chanteurs de tous les temps de Rolling Stone : « Joni a un sens du rythme étrange que personne d’autre n’a ». Dylan a longtemps collaboré avec Mitchell, notamment une performance conjointe avec elle et Johnny Cash à Nashville en 1969 lors de la première apparition télévisée de Cash. « Tangled Up in Blue », la première chanson de son superbe album Blood on the Tracks, a pendant longtemps fait l’objet de rumeurs affirmant qu’elle avait été inspirée par ses nombreuses écoutes de Blue.
Mitchell et Dylan ont partagé une amitié orageuse au fil des années, même si une fois, elle a déclaré qu’il était un plagiaire.
Bonnie Raitt
Pas en reste lorsqu’il s’agit de parler des déboires amoureux, Raitt cède ici sa place à Mitchell. « L’un des plus grands obstacles que j’ai surmonté dans ma vie a été de penser que je ne méritais pas d’avoir du succès, a-t-elle admis. Artistiquement parlant, je ne suis pas aussi douée que quelqu’un comme Paul Simon ou Joni Mitchell parce que je ne crée pas de musique originale et ça m’a perturbée pendant des années ». Elle a repris « That Song About the Midway » (de l’album Clouds) sur Streetlights, son album sorti en 1974. Raitt et Mitchell ont également une amie commune en la personne de Jane Fonda. Cette dernière a posté des photos d’elles sur les réseaux sociaux.
Neil Diamond
Diamond et Mitchell se sont partagés la scène durant l’un des concerts les plus légendaires dans l’histoire du rock : la Dernière Valse, le concert d’adieu triomphant du groupe Band en 1976. Diamond, qui a produit l’album Beautiful Noise de Robbie Robertson, est monté sur scène après Mitchell. Il a pendant longtemps vanté les talents de l’artiste. « « Chelsea Morning » est une superbe chanson de Joni Mitchell, a-t-il déclaré. J’imagine que j’ai un faible pour ses paroles parce qu’elles me montrent une perspective de la vie légèrement différente ». Il a également repris « Both Sides, Now » sur son album Touching You, Touching Me sorti en 1969.
Maynard James Keenan
Le chanteur de Tool, A Perfect Circle et de Puscifer est peut-être une figure post-metal scandaleuse sur scène mais ses influences musicales remontent à la poésie élégiaque de Mitchell. Il y a des années, lorsque Kurt Loder de MTV lui a demandé quel genre de musique il aimait quand il était jeune, Keenan a répondu « Joni Mitchell. Tout ce qu’elle a fait d’un point de vue musical est génial. Elle a vraiment été une source d’inspiration pour moi ». En 2006, il réitère sa déclaration d’amour pour Mitchell : « J’ai grandi en écoutant Joni Mitchell. C’est mon travail d’écouter ce qui se passe lorsque ces gars [de Tools] jouent ces staccatos, ces rythmiques, etc. C’est mon travail de les adoucir et de les ramener au centre pour que vous puissiez les écouter sans avoir mal aux yeux ».
Chaka Khan
L’icône funk-soul a repris de nombreux morceaux de Mitchell, de « Ladies Man » (sur Funk This, l’album sorti en 2007) à « Hejira » (sur une compilation hommage à Mitchell) Elle admire l’honnêteté artistique de Mitchell et son sens des affaires. « Les femmes ont progressé depuis que j’ai commencé à faire de la musique, a-t-elle déclaré en 1999. Joni Mitchell était certainement une pionnière à plus d’un titre. On a progressé lorsque les femmes ont pu faire de la musique d’une façon indépendante et faire preuve d’une liberté d’expression dans leur art ».
Annie Lennox
Dans une interview accordée en 2011, l’iconoclaste de Eurythmics répondait à des questions sur les télé-crochets et Mitchell « Vous ne trouverez pas de Joni Mitchell à X Factor. Ce n’est pas l’endroit, a-t-elle déclaré à Absolute Radio. X Factor est spécifiquement conçu pour les personnes qui veulent passer par la voie des télé-crochets. C’est une usine et elle est détenue par des marionnettistes ». Elle a ensuite dit à propos de Mitchell, « Elle écrivait ses chansons avec ces commentaires extraordinaires, poétiques, et sa voix et sa façon de jouer étaient incroyables. Dès que vous entendiez le premier accord et sa voix… Je me suis dit « C’est ça que je veux faire » ».
Donna Summer
Summer a longuement vanté les talents de Mitchell pour ses chansons aux paroles sensibles. « L’une de mes plus grandes frustrations a été de ne pas avoir quelqu’un pour me dire ce que je devais dire dans ma musique, a-t-elle déclaré à Billboard en 1999. J’ai grandi à l’époque du rock & roll et j’ai été influencée par beaucoup de choses, d’Aretha Franklin aux Rolling Stones en passant par le théâtre, Bonnie Raitt et Joni Mitchell. Je ne souhaite pas faire une musique qui m’ennuie. Que le public comprenne ou pas mes chansons n’est pas le problème. Je ne ferai pas un certain genre [d’] album à moins qu’il ne reflète ce que je ressens à ce moment précis ».
Jewel
L’auteur-compositeur fait un clin d’œil à Mitchell dans sa propre instrumentation folk-pop. Elle a même écrit un essai sur son héroïne pour la liste des 100 meilleurs artistes de tous les temps de Rolling Stone. « Je me souviens d’un ami au lycée qui me jouait « A Case of You » de l’albumBlue, a-t-elle écrit. Je pouvais dire que Joni était un peintre par la façon dont elle écrivait les paroles. Elle décrit les odeurs et les sons et utilise moins de mots pour transmettre plus d’émotions. Ses mélodies parlent de formes et ses paroles sont lentes ».
Jewel a également évoqué Mitchell et sa maîtrise de sa féminité : « Joni avait une nervosité que peu de femmes exprimaient. Joni Mitchell n’a jamais fait tout un plat d’être une femme. Elle avait une forte sexualité mais ne ressentait pas le besoin de le nier pour être prise au sérieux. Elle ne la mettait pas non plus en valeur, même si beaucoup de ses chansons parlent de sexe ».
Sara Bareilles
En 2008, Bareilles a enregistré une jolie reprise de « The River » et gardait clairement un œil sur l’artiste bien aimée : elle a été l’une des premières musiciennes à tweeter son soutien à Mitchell après son hospitalisation en mars 2015. « Fiona Apple et Joni Mitchell sont deux de mes modèles préférés, a déclaré Bareilles. Vous pouvez donc en déduire que je suis accro aux bonnes paroles ».
Chrissie Hynde
La plupart des gens font l’éloge de Mitchell pour ses paroles à cœur ouvert et ses prestations vocales vives et émouvantes, mais Chrissie Hynde a rapidement remarqué l’autre talent sous-estimé de Mitchell. « C’est une excellente guitariste, a déclaré la chanteuse des Pretenders à Rolling Stone. Je ne connais aucun guitariste, aucun bon guitariste qui ne classe pas Joni Mitchell parmi les meilleurs ». (Il est clair que la musique de Mitchell révèle un côté passionné de Hynde : elle s’est battue avec Carly Simon lors d’un concert de Mitchell à New-York en 1995.)
Christopher Cross
Le crooner de « Sailing » a exprimé son respect envers l’éthique du travail de Mitchell. « Les compositeurs que j’admire, comme Joni Mitchell et Randy Newman, vous diront que le travail est de plus en plus difficile et non de plus en plus simple, a-t-il déclaré à la presse. On essaye toujours de faire mieux que la dernière fois, que ce soit pour la prochaine chanson ou simplement pour les prochaines paroles ». Il n’a jamais arrêté de chanter les louanges de Mitchell. « Joni a fait tellement d’albums incroyables au fil des ans, a-t-il affirmé en 2009. Ceux qui n’ont pas suivi son travail ont raté quelque chose car elle est de plus en plus brillante ».
Après des années de brouille, Art Garfunkel a renoué avec Paul Simon. Cela pourrait-il déboucher sur une reformation de Simon & Garfunkel ?
5 novembre 1941 : naissance d’Art Garfunkel
Il y a dix ans, dans un geste qu’il a rapidement regretté, Art Garfunkel s’en est pris violemment à Paul Simon. Cela faisait cinq ans qu’ils n’avaient pas joué ensemble et sa frustration était à son comble lors d’un entretien avec un journaliste du Telegraph. “Comment peux-tu abandonner cette place privilégiée au sommet du monde, Paul ? s’est interrogé Garfunkel. Qu’est-ce qui t’arrive, imbécile ? Comment as-tu pu laisser passer ça, abruti ?”
Le journaliste a émis l’hypothèse que Paul Simon pouvait souffrir d’un complexe de Napoléon et qu’il était peut-être jaloux de la taille de son ancien partenaire musical. “Je pense que vous tenez quelque chose. Je dirais que oui”, a répondu Garfunkel, ajoutant qu’enfant, il s’était d’abord lié d’amitié avec Simon parce qu’il avait pitié de lui en raison de sa taille. “Et ce geste de compensation a créé un monstre, a ajouté Garfunkel. Fin de l’interview.”
Ce n’était pas seulement la fin de l’interview. Cela a bien failli être la fin de Simon & Garfunkel. Les deux hommes avaient mis de côté leurs différends en 2003 pour une série de concerts lucratifs qui ont duré jusqu’en 2010, lorsque des problèmes de voix ont brièvement mis Garfunkel sur la touche. Interrogé par NPR en 2016 sur l’éventualité d’une reformation future, un an après que Garfunkel l’a qualifié de “monstre” dans The Telegraph, Paul Simon a complètement exclu cette possibilité.
“Il n’y a pas grand-chose à dire. La musique s’est essentiellement arrêtée en 1970. Et très honnêtement, on ne s’entend pas bien. Ce n’est donc pas comme si c’était amusant. Si c’était amusant, je dirais : ‘OK, un jour, nous repartirons chanter de vieilles chansons en harmonie, c’est bien’. Mais quand ce n’est pas amusant, que vous allez vous retrouver dans une situation tendue, eh bien… il y a beaucoup de domaines musicaux dans lesquels j’aime jouer. Alors ça ne se reproduira plus jamais. C’est tout.”
Mais comme Art Garfunkel l’a récemment déclaré à la presse, Paul Simon et lui ont réussi à se réconcilier au début de l’année. Dans une nouvelle interview accordée à Rolling Stone, Art Garfunkel explique que la réconciliation a commencé par une rencontre fortuite avec le fils aîné de Simon, Harper Simon, dans les couloirs de l’hôtel Pierre de New York.
“L’ex-femme de Paul [Peggy Harper] était dans le même hôtel, explique Garfunkel. Je savais que cela allait arriver à un moment ou à un autre. Harper a organisé un déjeuner au restaurant de l’hôtel Pierre. Après des années sans se voir, Paul et moi nous sommes très bien entendus. On ne peut pas avancer dans la vie en restant en colère contre quelqu’un. Il faut résoudre les difficultés pour pouvoir mourir l’esprit tranquille.”
Art Garfunkel a saisi l’occasion pour s’excuser de ses commentaires de 2015, et a même invité Paul Simon dans son appartement après le repas. “Je l’ai blessé lorsque j’ai parlé à la presse anglaise, explique-t-il. Des larmes ont été versées en se souvenant que je l’avais blessé. Cela a conduit à une étreinte très chaleureuse… Cela m’a bien plus ému que j’en ai conscience. Mon âme est profondément liée à celle de Paul. Nous avons beaucoup ri. Nous étions des musiciens, mais aussi des blagueurs. Nous adorions Lenny Bruce dès le début.”
Simon et Garfunkel n’ont pas donné de concert complet ensemble depuis le New Orleans Jazz & Heritage Festival en avril 2010. Ils ne se sont pas produits ensemble depuis le mois de juin de la même année, lorsqu’ils ont interprété “Mrs. Robinson” lors d’un hommage de l’American Film Institute au réalisateur Mike Nichols. Leur réconciliation pourrait-elle déboucher sur une reformation de Simon & Garfunkel ?
“Nous verrons bien, répond Art Garfunkel. On ne sait jamais. Quand on passait du temps ensemble, il finissait toujours par me dire : “Laisse-moi te montrer ce sur quoi j’ai travaillé dernièrement”. Il prenait sa guitare et jouait quelque chose. Et chaque fois, j’adorais, parce que c’est un génie. Mes encouragements et la sincérité de ma réponse le détendaient et lui faisaient sentir que c’était formidable de travailler avec Artie. De cela découlait l’envie de travailler ensemble dans cet esprit.”
Le 50e anniversaire de l’émission satirique Saturday Night Live, qui aura lieu le 16 février 2025 sur la chaîne NBC, pourrait être l’occasion d’une reformation. En effet, le duo a une longue histoire avec l’émission, qui remonte à leur reformation dans le deuxième épisode, en 1975. Voir Simon & Garfunkel sur scène après toutes ces années de séparation serait un moment marquant pour l’émission spéciale des 50 ans. “Vous entendez ça, Lorne [Michaels] ?”, répond un Garfunkel enthousiaste lorsque nous évoquons le sujet.
“Je me souviens avoir vu Lorne en 1975 au Château Marmont à Los Angeles, ajoute-t-il. Il venait d’inventer la formule de Saturday Night Live et de rassembler des talents, et il était prêt à venir à New York. Paul dit qu’il n’a pas manqué une seule émission, 50 ans après. Quelle dévotion !”
Une simple chanson pour le Saturday Night Live serait un moment extraordinaire, mais pourquoi ne pas imaginer une véritable tournée ? “C’est une grande question, estime Garfunkel. Personnellement, je ferais un essai pour voir où cela nous mène. Si l’alchimie est toujours là, ce sera irrésistible.”
En attendant, Art Garfunkel et son fils, Art Garfunkel Jr., ont sorti un nouvel album en collaboration, Father and Son, et ont donné plusieurs concerts en novembre. Art Jr. adore l’idée d’une reformation de Simon & Garfunkel : “J’adorerais y assister à nouveau. Je me souviens de leur concert au Colisée de Rome en 2004. 670 000 personnes ont ressenti cette vague d’humanité. J’adorerais revivre cela. Et j’aimerais faire la première partie.”
À 71 ans, Bruce Springsteen, signe son 20e album, Letter to You, et abandonne la fiction et ses brillants déguisements pour revenir sur son histoire personnelle
4 novembre 2020 : Letter to You de Bruce Springsteen est n°1 au Royaume-Uni
On pourrait presque parler de nostalgie tant cet opus montre un Bruce Springsteen regardant dans le rétroviseur, les références multiples à une époque épique, celle des années 1970, dont le son du E Street Band reformé rend ici un hommage appuyé.
Alors oui, ça lorgne du côté de The River avec cette production, âpreté dans les guitares, somptueux arrangements de clavier et piano et une profondeur caractéristique du groove rappelant la trilogie héroïque qui a mené Springsteen vers la stratosphère du rock : Born To Run, Darkness On The Edge Of Town et The River. Mieux, pour compléter un track listing écrit en quelques jours et spécialement en vue de reformer son backing band, il est allé repêcher trois anciens titres remontant au tout début des seventies. Et ces chansons n’ont rien perdu de leur verve, de leur attaque et de leur pertinence. Bruce a recyclé d’anciens titres, comme il l’avait fait sur High Hopes en 2013, qui remontent à sa période héroïque. C’est à cette époque qu’on le taxait de Nouveau Dylan, ce qui semble totalement et définitivement justifié pourrait-on s’amuser à dire en écoutant les fantastiques “Song For Orphans” et le génialissime – le mot est pesé ! – “If I Was A Priest”, rappelant les grandes harangues chantées par le Zim, ou encore le poignant et prenant “Janey Needs A Shooter”. Le plus surprenant reste que ces morceaux vieux de 50 ans s’intègrement parfaitement à ce nouvel album, bien qu’au niveau composition et écriture pure, on reste davantage dans le trip “morceaux de bravoure” et textes ésotériques que Bruce affectionnait en ce temps là. Ces trois titres cinquantenaires ou presque peuvent sembler de prime abord assez éloigné du plan d’ensemble de cet opus axé sur la nostalgie et la quasi-confession, mais au final s’intègrent parfaitement dans ce Letter To You sorti de presque nulle part ! Car c’est l’urgence qui a dicté l’enregistrement de cet album remarquable, en cinq jours seulement dont un réservé à l’écoute même de ces captations, ce qui renforce ce côté puissant…. Et live ! Avec le E Street Band, ils ont recréé en quelques jours un nouveau mur du son, à la Spector, seventies en diable.
Letter To You, que l’on peut surnommer “Lettres de de Mon Ranch”, de notre Daudet du New Jersey, célèbre la musique, l’amitié et la fraternité, points que Bruce a toujours défendus dans son répertoire – il n’avait pas écrit par hasard “We take care of our own” en 2012. Ce disque étonnant est nourri de clins d’œil aux amis disparus, dont deux des membres – Dany Federeci et Clarence Clemons – de sa machine à rock’n’roll, le E Street Band, ou encore dans le très élégiaque “Last Man Standing”, à propos de son tout premier groupe, les Castiles, dont il est le seul membre survivant. En tout, douze titres et près d’une heure de musique. Et pas une minute à jeter.
Contrairement à son habitude, depuis son tout premier disque et jusqu’à Western Stars, il se met en scène. Il a laissé de côté sa galerie de personnages qui hantait ses chansons et qu’il incarnait si bien, tous ces paumés errants dans le midwest ou dans les villes fantômes, mais aussi ces ouvriers malchanceux, ces jeunes qui grandissent trop vite, ces musiciens, ces “petrol heads”, qui arpentent les highways. Il a remplacé tous ces cowboys fatigués, ces “blue collars” désabusés, pour parler de lui, à la première personne, de sa vie, de sa renaissance grâce au rock’n’roll et de sa passion pour la musique.
Et il chante, moins puissamment que par le passé. Certes sa voix, proche de celle de Western Stars, montre un registre beaucoup plus nuancé et expressif, évoquant par certains côtés son chant sur Nebraska, avec ce côté susurré, murmuré… Car ici, c’est davantage un passage en revue de tout ce qui a été au centre de sa vie, ses amis, sa famille, la religion aussi, sa musique, qu’un brûlot rock et politique, question qu’il évoque par métaphore sur le seul titre réellement manifeste – “Rainmaker” – où l’on peut deviner sans effort et en creux la personne visée dans le vers : “un clown criminel a volé le trône et vole ce qu’il ne pourra jamais posséder”.
Springsteen raconte dans l’interview accordée à Rolling Stone qu’il a écrit cette chanson avant l’entrée en fonction de Trump, mais ce titre n’a visiblement n’a rien perdu de sa pertinence et la sortie de cet album dix jours avant la présidentielle américaine n’a non plus rien d’un hasard. On se souvient que Working On A Dream, sorti également en plein période électorale, avait accompagné le retour des Démocrates à la Maison Blanche avec l’élection de Barack Obama.
Letter to You se présente donc sous une forme de déclaration étonnamment personnelle : cela peut aussi s’expliquer par le fait qu’il a passé ces dernières années passées à visiter et revisiter sa vie, d’abord sous la forme d’une autobiographie remarquable – Born To Run – mais en racontant sa vie tous les soirs dans un théâtre de Broadway pendant plus d’un an. Ce travail lui aura permis cette bascule de personnages fictifs à personnage réel, luien l’occurrence. On y entend l’homme tel qu’il est : calme ou en colère, heureux ou déprimé, le musicien et l’auteur, bref, tout ce que l’image de Bruce Springsteen peut incarner et véhiculer. Le must have de la semaine et déjà un classique.
La chanteuse et compositrice australienne Courtney Barnett est revenu pour Rolling Stone sur les joies inattendues de son troisième album solo, Things Take Time, Take Time.
03 novembre 1987 : naissance de Courtney Barnett
Début 2020, Courtney Barnett se réjouissait d’une année d’écriture hyper productive, avec une seule condition. « Il est important de se rappeler de vivre et d’expérimenter et d’avoir quelque chose de réel sur lequel écrire », a-t-elle déclaré à Rolling Stone dans une interview en janvier de cette année-là. « Pas seulement s’asseoir dans une pièce et écrire un album pour le plaisir de faire un album ».
Barnett rit quand on lui rappelle cette conversation maintenant. « C’est drôle », dit l’auteure-compositrice-interprète australienne, 33 ans, lors d’un appel depuis sa maison à Melbourne. « Très ironique… Que je l’apprécie ou non, c’est ce que le monde nous a donné. C’est probablement l’année la plus calme que j’ai jamais eue. »
Il s’agit peut-être du disque le plus personnel jamais enregistré par une artiste qui a déjà donné dévoilé au monde beaucoup de ses émotions.
Genèse d’un chapitre inédit
L’album qu’elle a passé la majeure partie de 2020 à écrire s’appelle Things Take Time, Take Time, et il arrivera le 12 novembre prochain sur Mom + Pop Music et Marathon Artists. Pour les fans de l’écriture distinctive de Barnett, c’est une riche récompense, pleine d’observations sournoises sur les pics et les vallées de la vie quotidienne qui ont fait d’elle l’une des artistes indépendantes les plus appréciées de la dernière décennie. L’album réserve également des surprises : Les dix chansons de l’album brillent sous un jour nouveau, dépourvues pour la plupart du son de groupe de rock écrasant qui a rempli ses deux premiers albums solo, et présentées à la place sous une forme plus proche de l’honnêteté radicale d’une musique de chambre. Il s’agit peut-être du disque le plus personnel jamais enregistré par une artiste qui a déjà donné dévoilé au monde beaucoup de ses émotions.
Barnett décrit Things Take Time, Take Time comme un album sur la recherche « d’une sorte de joie et de gratitude, à partir d’une douleur et de la tristesse ».
Elle avait commencé à écrire de nouvelles chansons peu après la sortie au printemps 2018 de son deuxième album solo, le turbulent Tell Me How You Really Feel, mais a fini par en écarter la plupart. « Write a List of Things to Look Forward To » est l’une des premières chansons qu’elle a conservées. Elle est arrivée vers la fin de 2019, à un moment où elle se sentait profondément désemparée, notamment à cause de la saison dévastatrice de feux de brousse en Australie.
« J’étais juste vraiment triste », se souvient-elle. « J’étais dans un moment vraiment sombre. Mes amis ne savaient pas comment m’aider. Ils m’ont dit : « Pourquoi n’essaies-tu pas d’écrire une liste de choses positives dans ta vie, que tu attends avec impatience ? ». À ce moment-là, j’ai dit : « Rien. Il n’y a rien que j’attends avec impatience. »
Lorsque Barnett s’est sentie prête à enregistrer quelques démos, elle s’est tournée vers une boîte à rythmes Roland CR-8000 vintage.
Entre quatre murs
Elle a ensuite joué lors d’une collectes de fonds pour les feux de brousse au début de l’année 2020, puis s’est envolée pour les États-Unis pour une courte tournée solo qui s’est terminée par un spectacle de bienfaisance à Los Angeles le jour de la Saint-Valentin. Le temps qu’elle revienne à Melbourne, un certain Covid l’a obligée à se mettre en quarantaine. N’ayant aucun endroit où loger, elle s’est installée dans l’appartement vide d’un ami. « J’ai fini par y rester pendant toute l’année », dit-elle. « C’était un petit appartement incroyable, avec de grandes fenêtres et beaucoup de lumière. J’ai eu beaucoup de chance d’avoir cet endroit. »
Alors que la réalité de l’enfermement s’installe, Barnett apprend à cuisiner, s’abonne à la chaîne Criterion, se plonge dans les films d’Agnès Varda et d’Andrei Tarkovsky, lit des livres et peint des aquarelles. « J’avais beaucoup de grands projets », dit-elle en riant. Mais la plupart du temps, elle s’asseyait près de la fenêtre, buvant du café et jouant de la guitare acoustique.
L’une des chansons les plus douces du nouvel album, « Turning Green », reflète directement cette expérience dans ses paroles, qui évoquent un regain d’espoir après une saison creuse (« The trees are turning green/And this springtime lethargy/Is kinda forcing you to see/Flowers in the weeds »). « Je me suis assis près de cette fenêtre, et il y avait un énorme arbre à l’avant, alors j’ai regardé les saisons changer », dit Barnett. « Je suppose que c’est aussi métaphorique. Il y a quelque chose de si joyeux dans cette chanson. On sent que les personnages ont subi une sorte de transformation, et qu’ils en sont sortis de l’autre côté. »
Rencontre technologique
Lorsque Barnett s’est sentie prête à enregistrer quelques démos, elle s’est tournée vers une boîte à rythmes Roland CR-8000 vintage qu’elle avait achetée quelques années auparavant après une visite au loft de Wilco à Chicago, rempli d’instruments. « C’est un appareil analogique un peu encombrant », explique Barnett, qui se décrit comme « accro aux petites boîtes à rythmes ».
Elle a donc appelé son amie Stella Mozgawa – la batteuse de Warpaint qui avait joué de la batterie sur Lotta Sea Lice, l’album de 2017 de Barnett en duo avec Kurt Vile – et a suivi un tutoriel. Bientôt, elle et Mozgawa s’échangeaient des listes de lecture d’artistes qui avaient fait un usage novateur des rythmes programmés, d’Arthur Russell à Yo La Tengo. « C’était amusant et excitant », dit Barnett. « Cette boîte à rythmes régulière fait quelque chose à mon cerveau qui le rend calme et apaisé ». Réalisant que Mozgawa était « le match musical parfait », Barnett l’a invitée à coproduire son prochain LP.
En décembre 2020, elle et Mozgawa se sont retrouvées aux Golden Retriever Studios de Sydney pour commencer l’enregistrement. À ce stade de son processus, Barnett aurait normalement appelé ses compagnons de groupe live et remis la boîte à rythmes sur son étagère. « Je pense que je me suis simplement dit que c’était pour les démos, et que lorsque vous alliez en studio, vous preniez un vrai batteur et que vous restiez authentique », dit-elle. « J’étais inflexible sur ce point. »
« Trouver la beauté dans un endroit où vous l’attendez le moins. C’est la leçon que je me donne en permanence. »
Le monde d’après
Cette fois, cependant, elle voulait préserver la magie méditative de ses démos. La plupart des chansons contiennent des rythmes lo-fi programmés par Mozgawa sur diverses boîtes à rythmes, ainsi que quelques lignes de vraies batteries. Le tout, accompagné par la voix et la guitare de Barnett. « Il n’y a pratiquement que nous », dit la musicienne. « Ça me semble tellement vivant, comme si tout se passait en même temps ».
D’autres chansons ont été mises au point. « Here’s the Thing », la ballade flottante et magnifique qui est l’une des pièces maîtresses de l’album, est venue à Barnett lorsqu’elle jouait de la guitare devant télévision. Elle a capturé la prise vocale plus tard, lors d’un voyage à la campagne dans le nord de la Nouvelle-Galles du Sud. « Nous étions hébergés près de cette énorme montagne », se souvient-elle. « C’était le plus bel environnement. Il y a quelque chose de si spécial dans ces vocaux ».
Bientôt, Barnett prendra la route pour ses premiers concerts depuis début 2020, en commençant par quelques dates en solo en Nouvelle-Zélande. En novembre, aux alentours de la sortie de l’album, elle posera ses bagages en Amérique du Nord pour une tournée avec tout le groupe qui s’étendra jusqu’en février prochain. Elle a hâte de repartir en tournée et de voir comment ses nouvelles chansons se déploient. « Au fil des concerts, il y aura d’autres versions de ces chansons, au fur et à mesure que je les jouerai en direct avec le groupe », dit-elle. « Elles vont recommencer à sonner différemment. C’est toujours le cas. »
En attendant, elle a un nouvel album qu’elle est impatiente de partager avec le monde. « D’un côté, rien ne m’arrivait l’année dernière », dit-elle. « Mais en même temps, il s’est passé tellement de choses ! Il y a ce texte dans « Turning Green » sur les fleurs dans les mauvaises herbes – trouver la beauté dans un endroit où vous l’attendez le moins. C’est la leçon que je me donne en permanence. »
Le 2 novembre 1978, The Police sort Outlandos d’Amour, son tout premier album studio. Replongez dedans avec Rolling Stone.
2 novembre 1978 : sortie d’Outlandos d’Amour de The Police
The Police aurait pu rester un petit groupe sympathique, invité à jouer dans de petites salles de concert. Mais le 13 janvier 1978, leur entrée en studio pour l’enregistrement de Outlandos d’Amour marque le début d’une magnifique histoire de musique.
Parrainé par Miles Copeland – frère de Stewart Copeland et fondateur du label I.R.S Records qui a notamment travaillé avec R.E.M – The Police entame les premiers enregistrements aux Surrey Sound Studios, dans la petite ville de Leatherhead. Les studios sont basés dans une ancienne laiterie, ils sont encore à l’époque assez méconnus et le loyer est fait en conséquence (3 000 livres pour la location).
Entre janvier et août, le groupe va se concentrer sur l’élaboration de cet album. Enregistré dans des circonstances un peu particulières – The Police ne peut enregistrer que la nuit – Outlandos d’Amour contient quelques classiques. Mais c’est « Roxanne » qui raflera la mise. Dès les premières écoutes, Miles Copeland – à l’époque manager du groupe – identifie tout de suite ce morceau comme une référence. Rapidement diffusée sur les ondes, la chanson sera tout aussi facilement censurée par la BBC à cause de ses paroles – la chansons fait référence à une prostituée. Le second single de l’album suit exactement le même chemin que son prédécesseur. Cette fois-ci cependant, la BBC décide de censurer « Can’t Stand Losing You » parce que le titre évoque le suicide.
Il faudra donc que le groupe attende le mois de novembre pour que Outlandos d’Amour sorte enfin dans les bacs.
Plus connu comme claviériste et co-compositeur du groupe A-ha, Magne Furuholmen est aussi un artiste graphique mondialement reconnu. Il sort son troisième opus solo, White Xmas Lies, le 25 octobre 2021. Présenté comme un ‘antidote à la mièvrerie des chansons de Noël’, cet album se révèle bien plus profond, à la fois émotionnellement très riche, sombre et mélancolique et révèle Magne Furuholmen, pour le meilleur, sous un autre jour, bien loin des agitations du trio norvégien. Rencontre avec un artiste hypersensible aux multiples talents.
1er novembre 1962 : naissance de Magne Furuholmen (claviériste d’A-ha)
Rolling Stone : Pourquoi avoir choisi Noël pour thème principal de cet album solo ?
Magne Furuholmen : En général, j’aime travailler dans des ‘espaces’ que j’ai définis moi-même. Plus le thème est restreint, plus il est difficile, mais aussi libérateur car tu choisis de n’avoir rien d’autre à gérer. Il y a quelques années, en me promenant sur la 5ème avenue à New York, j’ai vu, devant des magasins de luxe, des sapins de Noël vaporisés de neige artificielle avec des montres Rolex en guise de boules de Noël. Cela m’a vraiment écœuré. À cette époque, je traversais une sorte de dépression. Je pensais que le monde était devenu fou, que l’Art ne pouvait plus le sauver et qu’il nous fallait un nouveau départ. Mes enfants étaient déjà grands et Noël n’était plus une belle réunion de famille mais une période où il était devenu difficile de trouver un cadeau dont ils avaient vraiment besoin, où on perdait notre temps à acheter des merdes dont personne ne voulait vraiment. Noël s’est totalement éloigné de ses valeurs d’origine : sacrifice, charité et intégration. Ce sentiment s’est accru car chaque année, pour des raisons bassement commerciales, Noël commence toujours plus tôt et se termine plus tard. Les gens peuvent dire ce qu’ils veulent sur la chanson Last Christmas de George Michael, mais pour moi c’est une chanson de Noël pleine de sens. Maintenant, tout ce qu’on nous sert ce sont des reprises de reprises de chansons.
L’album a pourtant un côté très sombre et mélancolique…
Quand j’ai annoncé à mes amis que j’avais fait un album de Noël sombre et mélancolique, la plupart d’entre eux ne l’ont pas trouvé si sombre mais plutôt réconfortant. Mais ce sont des Norvégiens ! Ce n’est pas non plus un guide pratique du suicide mais j’espère de la matière pour réfléchir sur le sujet ! (rires). Cela me paraît inconcevable que personne sur cette planète n’ait de moments, sur la période de Noël, où il/elle se questionne sur l’idée de vacuité. Je me suis toujours senti en sécurité et je suis particulièrement conscient de la chance que j’ai eue dans la vie, même si j’ai connu des moments difficiles comme la mort prématurée de mon père. Tout le monde a des problèmes. Mais je pense que le contraste est particulièrement éprouvant pour les personnes qui ont de réelles difficultés dans la vie, d’être si clairement reléguées à la marge de la société. Imaginer le sentiment d’être exclu m’a profondément touché, et faire quelque chose pour aider est un des buts que je me suis fixé en réalisant cet album. À l’époque, on pouvait sortir une chanson et récolter de l’argent pour des œuvres de charité, mais ce n’est plus vraiment possible aujourd’hui. J’ai donc décidé de donner un concert gratuit à l’Armée du Salut pour qu’ils puissent inviter tous ceux qu’ils souhaitent. J’ai financé l’album moi-même et j’ai reçu de l’aide pour financer ce concert de la part d’amis du milieu qui sont dans le même état d’esprit et j’espère porter ce projet dans d’autres pays l’année prochaine, qui sait….
Le premier single que vous avez sorti, « This Is Now America », est une réponse directe à l’administration de Trump. Vous vous sentez concerné par ce qu’il se passe dans le monde ?
Oui. Tout ce qu’il se passe dans le monde en ce moment me fait peur. Partout, l’axe traditionnel gauche-droite s’effondre. Je suis particulièrement obsédé par la politique américaine, surtout depuis la candidature de Donald Trump. J’ai tout de suite compris qu’il allait gagner parce que les gens détestent les politiciens et rejettent le système. Ils se sentent insatisfaits et on peut comprendre pourquoi ils sont en colère. Pourtant, je ne comprends toujours pas comment ils ont pu penser qu’il était le meilleur choix. En France, l’élection d’Emmanuel Macron est aussi une sorte de révolte contre la politique traditionnelle à bien des égards, mais de façon beaucoup plus tempérée qu’aux États-Unis. Je suis du genre Groucho Marx. Je ne serais jamais membre d’un parti qui aurait des gens comme moi comme membres. Mes amis m’ont souvent reproché de ne pas avoir voté en Norvège, mais je pense qu’il était inutile de le faire parce que c’est une bonne chose pour nous d’avoir un changement de pouvoir tous les quatre ans. Cela évite l’arrogance du pouvoir. Pourtant, même si je ne vote pas, j’ai toujours des opinions très arrêtées et je n’hésite pas à m’exprimer. Je pense que je suis plutôt un centriste, je vois les bonnes choses des deux côtés. J’ai écrit cette chanson du point de vue d’une femme qui redécouvre sa jeunesse à travers un journal intime et qui est choquée de voir la différence entre ce qui se passait avant et ce qui se passe aujourd’hui. C’est une sorte de complainte sur une idée de l’Amérique qui n’existe plus.
Vous aviez un rêve américain ?
Quand on grandit dans les années 60, l’Amérique est une sorte de Terre Promise, un symbole du monde libre, et l’endroit bien sûr où le concept de célébrité a été inventé. Avoir un rêve américain faisait partie du tableau pour nous, et arriver en Amérique en tant que jeunes pop stars avec a-ha était complètement époustouflant ! Pourtant, il ne nous a pas fallu longtemps pour commencer à apprécier des pays comme la France où les gens étaient beaucoup plus réticents à nous aborder dans la rue.
Vous avez travaillé avec votre fils Thomas sur la vidéo de « This Is Now America ». Transmettre à vos enfants est important pour vous ?
Mes deux fils grandissent avec un scénario très différent du mien. J’avais un père qui était pratiquement inconnu du monde et je pouvais l’idolâtrer sans qu’il fiche cette image en l’air mais moi je suis partout dans leur vie. Je suis très conscient du peu de terrain vierge que je leur laisse. Heidi, ma femme, et moi essayons de leur donner la totale liberté de choisir ce qu’ils ont envie de faire dans la vie. Ils se sont tous les deux retrouvés dans les arts et ont choisi de poursuivre le dialogue avec moi. Ce sont mes amis les plus proches. Ils me demandent toujours ce que je pense et réciproquement. Ils n’ont pas peur d’avoir leur propre opinion, qui peut être différente de la mienne, et de me gronder quand je ne fais pas ce qui est juste.
Sur les 14 titres de l’album, vous avez enregistré deux reprises surprenantes, « Differences » d’a-ha et « Hells Bells » d’AC/CD, pouvez-vous nous dire pourquoi vous avez fait ces choix ?
Dans la création artistique, j’aime toujours prendre le contre-pied des choses. J’ai écrit « Differences » comme une sorte de prière, avec un fond de résignation, quand nous avons découvert la façon dont les Talibans traitaient les jeunes femmes. Cela m’a vraiment brisé le cœur de penser à toutes ces jeunes filles et femmes qui vivent dans des endroits soumis à une mentalité qui date de l’âge de pierre. Morten voulait l’interpréter au prix Nobel comme une ballade. J’ai toujours pensé que la chanson était beaucoup plus entraînante que ce qu’on en avait fait. C’est l’une des chansons les plus tristes que j’aie jamais écrites, mais sur cet album, c’est le morceau le plus lumineux et entrainant. Cela ne sert à rien de faire une reprise si vous ne faites pas quelque chose de radicalement différent. C’est important pour moi d’insuffler quelque chose de nouveau, même si c’est moi qui ai arrangé la première version pour a-ha.
C’est mon manager, grand fan de metal, qui m’a suggéré « Hells Bells » quand je lui annoncé que je voulais produire un album de Noël sombre et mélancolique. J’ai écouté la chanson et elle était tellement loin de moi que je me suis demandé ce qui arriverait si je la jouais à ma façon. Je voulais qu’elle sonne comme un mélange de « Stranger Things » et de Susanna and the Magical Orchestra qui fait de très belles reprises. J’ai gardé la première prise de voix et je crois que cela ne m’était jamais arrivé avant !
Pourquoi avoir choisi « Caprice des Dieux » comme titre de chanson ?
L’idée de cette chanson, que j’ai écrite en France, est née d’une discussion que j’ai eue avec une jeune femme franco-italienne qui aimait le fromage Caprice des Dieux. Je voulais savoir ce que cela signifiait en français et j’ai aimé le concept. Finalement, la chanson n’a rien à voir avec le fromage (rires). La chanson est une sorte de psaume. Je suis vraiment un compositeur de soul. Des chansons comme « Stay On These Roads » sont en fait de la musique d’église, comme la plupart des titres que j’écris. Même si je n’ai jamais été attaché à aucune église ou n’ai pas grandi dans un environnement particulièrement religieux, il y a toujours des éléments spirituels dans mes chansons.
C’est une des rares chansons où vous n’utilisez pas d’effets sur votre voix…
Je voulais en effet la garder à l’état brut. Je sais que j’ai une certaine paranoïa à propos de ma voix et je suis conscient que ma voix peut poser problème pour certaines personnes. Je pense que cela vient aussi du fait qu’on me compare à un mec (à savoir Morten Harket) qui a la voix d’un ange et les cordes vocales d’un taureau.
Je suis une personne fragile et brisée à la voix intime et douce… c’est vraiment ce que je suis.
Vous avez un jour cru au Père Noël ?
Oui et j’y crois toujours, d’une certaine façon (rires). Mes enfants n’y croient plus mais je pense que c’est un bon concept auquel se raccrocher en ce moment. Dans cet album, je ne suis pas un ‘Très méchant Père Noël’, mais plutôt un Père Noël triste.
C’est une image très différente de celle de trublion pétillant que vous avez dans le groupe A-ha…
Cela fait partie d’une dynamique de groupe. L’un des rôles que j’ai toujours eu dans le groupe était de désamorcer toutes sortes de tensions, de gênes, d’être une sorte le ciment social. Mais je suis quelqu’un qui réagit à mon environnement. Quand personne ne veut parler au public, c’est moi qui vais le faire, je vais faire les blagues et arborer mon plus beau sourire, parce qu’il faut bien que quelqu’un le fasse. On ne s’est pas devenus amis avec Pål Waaktaar parce que j’étais le mec ‘effronté’ et lui le mec ‘dark’. Nous étions tous les deux des mecs ‘dark’ mais il était introverti et j’étais un extraverti. J’ai utilisé ma nature extravertie pour séduire les directeurs des maisons de disques parce que nous avions besoin de le faire. Et Morten est une personne si excentrique et socialement maladroite également ! On m’a collé cette satanée image de clown qui était extrêmement pénible et usante pour moi et je ne savais pas quoi en faire. C’est une des raisons pour lesquelles je me suis écrasé en plein vol et que le groupe s’est séparé au début des années 90 après le concert de Rio.
Sur cette scène, au sommet de notre carrière, devant 200 000 personnes, je me suis senti complètement détaché du public et du groupe. J’avais besoin de remettre tous les compteurs à zéro, de me terrer dans une pièce et de faire quelque chose autre chose.
Dans cet album, je ne suis pas un ‘Très méchant Père Noël’, mais plutôt un Père Noël triste
Est-ce pour cela que vous vous êtes lancé dans une carrière solo ?
Je pense qu’il y a eu une combinaison de plusieurs facteurs. Je me sentais très frustré de ne pas pouvoir finir une chanson pour a-ha. Au début de notre carrière, ma mère étant professeure d’anglais, j’étais plus à l’aise avec la langue et mon rôle était de policer nos textes. J’ai aussi eu beaucoup de mal à écrire à la fois les textes et la musique, alors c’est devenu le rôle de Pål d’écrire les textes de ses chansons mais aussi des miennes. Mais il y avait des chansons que je voulais vraiment finir moi-même mais il ne me laissait pas le faire car il voulait écrire les paroles lui-même. Puis, à partir de 1998, sur l’album Minor Earth Major Sky, j’ai commencé à écrire beaucoup plus de paroles. Sur certaines chansons, écrire pour Morten c’était comme donner mes émotions à quelqu’un d’autre. J’ai eu l’idée du titre de l’album mais encore une fois, ils ne m’ont pas laissé finir les paroles et je ne voulais pas continuer à ajouter des riffs de clavier aux chansons de Pål sans être crédité. À peu près à la même époque, on m’a diagnostiqué une fibrillation auriculaire qui était liée au stress émotionnel. J’ai commencé à composer mon premier album solo à ce moment là car je me sentais mal de ne pas pouvoir pleinement m’exprimer. J’ai été en quelque sorte forcé de devenir un auteur-compositeur-interprète complètement autonome.
Considérez-vous l’art comme une thérapie ?
L’art est mon refuge depuis la fin des années 80. Je l’ai utilisé à des fins thérapeutiques. J’ai construit un mausolée pour mon père. J’ai essayé de comprendre et de gérer certaines choses grâce à l’Art, mais je ne le considère pas comme une thérapie parce que ce n’est qu’un aspect de la question pour moi. L’Art est aussi mon espace intime, religieux, où je me retire pour entrer en contact avec moi-même. Tout comme l’Amour, c’est presque impossible de le comprendre et de l’analyser pleinement mais c’est tellement puissant quand on le vit. L’Art m’engage intellectuellement, m’absorbe émotionnellement, me défie moralement, il a tous les aspects qui me permettent de me voir moi-même et de voir le monde d’un point de vue différent. J’essaie toujours de donner à mon travail l’immédiateté et l’intuitivité que j’aime dans la musique pop, mais il y a, si vous souhaitez creuser, plus de choses à trouver dedans. C’est la beauté de l’art.
Quel message aimeriez-vous transmettre au monde avec vos œuvres d’art ?
Il y a trois choses que j’ai faites toute ma vie : dessiner et peindre d’un côté, écrire de la poésie et faire de la musique de l’autre. Je cherche à relier entre elles toutes les formes d’art et à partager par les mots, les images et la musique, mon sens de l’émerveillement, de la découverte et ma curiosité. D’une manière ou d’une autre, j’arrive à accéder à des choses par ces canaux sans lesquelles la vie serait beaucoup plus misérable. Mais cela ne serait pas si magnifique si je ne pouvais pas le partager aux autres. Quand je montre une œuvre d’art, j’ai un enthousiasme très enfantin. Je pense que je me connecte à l’enfant qui est en moi. Même si je suis extrêmement structuré et organisé lorsque je travaille dans mon atelier, ce que je recherche c’est l’intuition, le hasard, le jeu et trouver du sens. Je crois que si une œuvre me transporte, elle peut transporter quelqu’un d’autre au même endroit et je crois que cet endroit est un lieu plus doux, plus inclusif et merveilleux que notre vie quotidienne. Pour moi, L’art offre cette part de magie.
Avec le projet Apparatjik (un groupe formé en 2008 avec Guy Berryman de Coldplay, Jonas Bjerre de Mew et le batteur/producteur Martin Terefe, ndlr), on voit mon côté ludique qui n’est pas celui du trublion d’a-ha, mais le Magne curieux, intrépide, prêt à tout affronter et explorer sous un autre jour. Nous nous sommes donné beaucoup de liberté en choisissant de ne pas avoir de manager ni de maison de disques et nous interdisant d’être négatifs sur quoi que ce soit ou qui que ce soit. Cette démarche faisait sens pour chacun d’entre nous qui avait déjà fait parti d’un groupe. Nous nous sommes tous sentis incroyablement libérés et cela nous a électrisés. J’ai toujours été attiré par le mouvement Dada. C’est une partie importante de mon état d’esprit.
Vous avez été commissionné en 2007 pour réaliser une œuvre sur le thème du changement climatique pour le Centre Nobel de la Paix. Vous considérez-vous comme un artiste ‘vert’ ?
Je m’intéresse vraiment à la nature, mais je ne peux pas dire que je suis un militant vert. J’ai beaucoup de respect pour les gens qui consacrent leur vie à de grandes causes. Nous ne savons pas à quel point nous sommes proches de la limite, mais je préfère rester optimiste et penser qu’avec une utilisation intelligente de la technologie, nous trouverons les moyens de nous en sortir. Morten et moi avions fait venir la toute première voiture électrique de Norvège depuis une conférence sur l’énergie solaire à laquelle nous avons assisté en Suisse. Avec a-ha, nous avons acheté des hectares de forêt tropicale pour essayer de la sauver ; nous avons acheté des fours solaires pour des villages africains. On a fait des choses auxquelles on croyait, mais ce n’est pas le but de ma vie. J’ai l’impression de ne pas en avoir fait assez et j’aimerais en faire plus maintenant. Avec cet album, j’essaie d’offrir un moment convivial pour Noël aux sans-abri d’Oslo. Je voudrais maintenant faire des actions concrètes à mon propre niveau.
J’ai été en quelque sorte forcé de devenir un auteur-compositeur-interprète complètement autonome.
Vous êtes reconnu en Norvège en tant qu’artiste peintre/sculpteur mais pas encore en France…
La France a toujours été un espace ‘hors du travail’ pour moi, mais c’est peut-être en train de changer. Je passe plus de temps dans la maison que nous avons dans le Sud depuis plus de 20 ans. Je me sens lié d’une certaine façon à la scène artistique française. Comme j’ai une double casquette artistique, je n’ai jamais été très proactif pour me faire connaître en tant qu’artiste graphique. J’ai eu la chance d’avoir des gens pour acheter mes œuvres et pouvoir en produire davantage. Je crois que mon travail parlera mieux de lui-même que si j’essayais de convaincre les gens. Mon histoire avec a-ha reviendra toujours sur le tapis. Si des critiques d’art français lisent l’histoire d’un musicien d’un groupe de pop des années 80 (qu’ils n’aimaient probablement pas de toute façon), cela déforme leur première impression de mon travail. Je pense que la patience n’est pas vraiment mon fort, mais je vais gérer mon impatience en réalisant de nouvelles œuvres et en continuant de croire en ce que je fais.
Sur votre compte Instagram, vous vous présentez comme « mi- humain/ mi- objet inanimé »
Je crois qu’ici je joue avec l’idée d’identité. Je vous dis :‘vous pensez me connaître mais vous ne me connaissez pas et voici mes masques mais je pourrais les enlever et vous montrer une autre réalité’. C’est ce que je ressens depuis que je me suis senti piégé avec a-ha dans les années 80 dans ce drôle de trublion. En fait, cela m’a presque détruit parce que je n’arrivais pas à en sortir tout seul. Je veux être libre de toutes attentes des autres et de moi-même. Je suis MOI, en tant que personne, mais je regarde aussi le monde à travers d’autres ‘moi’ par procuration, qu’il s’agisse de peintures, de sculptures ou d’objets, alors je m’étends à quelque chose qui est regardé ou pensé à ma place, mais quelque chose que j’ai moi-même crée. Ma vie a consisté, dans une certaine mesure, à éviter d’être défini.
Mais essayons quand même d’en savoir un peu plus sur vous…Quel est votre trait de caractère principal ?
Le refus de me conformer.
Votre principal défaut ?
Me renfermer après avoir été très extraverti et m’éloigner des gens après avoir été très présent dans leur vie. Je peux disparaître en moi physiquement et mentalement. Je peux quitter une fête pour aller m’allonger et dormir même si nous avons invité des amis à dîner. Il n’y a que deux boutons sur mon interrupteur : Marche et Arrêt. Je suis d’un côté ou de l’autre. Il n’y a pas de milieu avec moi.
Quelles qualités appréciez-vous le plus chez vos amis ?
J’ai beaucoup de types d’amis différents et je les apprécie tels qu’ils sont. J’apprécie sur un pied d’égalité l’honnêteté, l’ouverture d’esprit, l’intelligence et l’humour. J’aime l’excentricité et les gens qui me défient. J’apprécie également la loyauté, mais c’est moins important dans ma liste.
Quelle est votre idée du bonheur ?
Mon idée du bonheur, ce sont des moments d’épuisement après le travail, sans sentiment de culpabilité d’avoir sacrifié autre chose. Rendre les gens heureux, rire avec mes enfants, passer du temps avec ma famille tout simplement a beaucoup de sens pour moi, et je place cela au top de ma liste.
Et votre idée du malheur?
Devenir vieux et amer.
Si vous n’étiez pas artiste, quel métier auriez-vous pu exercer ?
Chercheur ou scientifique. Je fais beaucoup de recherches, mais je l’applique aujourd’hui à l’art.
S’il y avait trois chansons que vous avez écrites dont il faudrait qu’on se souvienne pour la postérité ?
Dans le répertoire de a-ha, je choisirais Stay on these roads, Scoundrel days et Manhattan skyline.
Quel est le dernier groupe que vous avez aimé ?
J’aime ce que fait Bon Iver. Et je viens de découvrir Tame Impala. Je les trouve très bons.
Pål Waaktaar nous a répondu la même chose lors de notre dernière interview…
Oh quelle déception ! (rires) C’est drôle parce que j’ai été vraiment déçu quand il a dit que nous n’avions pas les mêmes goûts musicaux. Là, vous avez une preuve que ce n’est pas vrai !
Pensez-vous vraiment, comme vous l’avez écrit récemment sur Instagram : « qu’aucun jardin n’est parfait sans une énorme licorne » ?
Oui (rires) ! C’est mon sens de l’humour… tel que vous me connaissez. Ce type est toujours là, quelque part… mais vous savez, j’ai de multiples facettes qui cherchent toutes à s’exprimer !
